Acerca de la producción de Moonfall


“Un verdadero salto para la humanidad”. (Apolo XI, julio 1969)


Moonfallplantea que ese acontecimiento que cambió el mundo escondía un secreto que en 2022 haría que la Luna llegara a nosotros. La humanidad se enfrenta al verdadero y absoluto lado oscuro de la Luna, mientras ciudades enteras son evacuadas, el traslado a terrenos más altos ofrece la única posibilidad de supervivencia, y los disturbios civiles son omnipresentes y destructivos de formas antes inimaginables. Es el sexto evento de extinción de la Tierra.


Para Moonfall, una teoría que describía la Luna como algo sumamente diferente de lo que aprendimos en la clase de ciencias de la escuela secundaria fue lo que inspiró a Emmerich. “Hay quienes creen que la Luna no es un objeto natural”, afirma. “Lo que me pareció una idea intrigante para una película. ¿Qué pasaría si ese objeto cayera a la Tierra? Por supuesto, tendríamos que ver cómo detenerlo, pero además me fascinaba el reto de crear personajes que se embarcan en una misión a la Luna para salvar nuestro planeta, así como las familias que se quedan atrás y luchan por sobrevivir a las catástrofes que conlleva el curso de colisión de la Luna con la Tierra”.


Harald Kloser, el guionista y productor que compuso la música de la película, señala el modo en que Moonfallencaja en la labor de Emmerich. “Nosotros queremos hacer reír y llorar a la gente con nuestras películas”, explica. “Es maravilloso lograr que el público ría al principio de la película, para que sienta que también está bien divertirse. Eso hace que los viajes de los personajes sean más emocionantes”. Se trata de un género que Roland inventó con Independence Day. “Para esta película planteamos la idea de que la Luna cambie de órbita y parezca que va a estrellarse sobre nosotros, lo cual es una situación completamente abrumadora. Pero el espíritu humano no se rinde tan rápido. Siempre hay personas que superan su potencial, y nos gusta contar historias sobre gente normal que enfrenta situaciones completamente extraordinarias”.


Gran parte del trabajo de Emmerich trata también de las relaciones familiares, que están muy presentes en Moonfall. “Las dinámicas familiares no suelen ser fáciles, y en nuestra película prácticamente todas las familias están rotas”, comparte el director. “Pero este acontecimiento cósmico las une y las impulsa a comprender que la familia es lo más importante en sus vidas”.


Halle Berry asume el papel fundamental de la vicedirectora de la NASA, Jocinda Fowler. La ganadora del Oscar® describe el personaje como “muy astutamente inteligente. Es una mujer que sobrevive en un mundo de hombres. No encontrarás a una mujer en ese puesto en la NASA que no sea extremadamente inteligente, fuerte y con un verdadero sentido de sí misma. Fowler es muy voluntariosa; ha tenido que sobrevivir en este mundo y resistir. Me encantan este estilo de mujeres y personajes, porque es fuerte en su trabajo pero también es madre”. Berry destaca que el papel fue concebido como masculino, “así que el mérito es de Roland por darse cuenta de que podía ser un personaje femenino y mantener el mismo impacto”.


Agrega Berry. “Para Brian, Fowler era su ‘esposa del trabajo’, y para ella, él era su ‘marido del trabajo’; así de unidos eran”. “Entonces... algo... sucede, lo que lleva a un malentendido y confusión. Él asume la culpa y ese es el comienzo del desmoronamiento de su relación. Se vuelve a tocar el tema, y ellos tienen la oportunidad de aceptar lo que pasó. Se dan cuenta de que ninguno de los dos tenía razón ni estaba equivocado; sólo fue una situación muy desafortunada y difícil de explicar, y a raíz de eso, tomaron caminos separados”.


“La situación de Brian es bastante terrible. No tiene trabajo y no es confiable”, explica Patrick Wilson. “Es un ex astronauta que lidia con lo que una vez presenció durante una misión en el espacio. Es más bien un científico pícaro que la típica persona que sigue las normas, lo que lo diferencia de Fowler. Sigue teniendo un trabajo en el gobierno, lo que le molesta, y arrastra la culpa por lo que ocurrió en aquella fallida misión años atrás, por lo que fue despedido de la NASA. Su matrimonio y la relación con su hijo están rotos. Harper tiene muchos problemas y demonios personales y debe encontrar la manera de superarlos”.


Wilson aprovechó la oportunidad de volver a trabajar con Emmerich, con quien había colaborado en Midway. Además, dice que “Moonfalles una gran idea. Me encanta la ciencia ficción y no se me da la oportunidad tan a menudo, así que eso fue un punto extra enorme”.


Wilson también disfrutó actuar junto a John Bradley, quien encarna a KC Houseman, un científico desacreditado y adicto a la conspiración que, sin embargo, desempeña un papel fundamental en la desesperada misión de salvar la Tierra. Según explica Wilson, “la realidad es que Brian es el único que vio lo que hay ahí arriba y entiende la naturaleza de esta amenaza. Fowler al principio no lo ve. Houseman es una de las pocas personas que cree el relato de Harper sobre la misión fallida. Tiene sus propias teorías conspirativas, que no están tan lejos de la realidad, como resulta. Así que él y Brian encuentran un terreno común en su condición de parias. Su relación es muy divertida en el guion y aún más en la actuación. John y yo nos divertimos mucho con su dinámica”.


La redención de Brian llega cuando Fowler finalmente le cree sobre el grave peligro que supone la Luna para la Tierra y se une a Brian y KC para salvar el mundo. “Fowler hace que la NASA se dé cuenta de que su única opción es enviar al único equipo que estuvo allí arriba y que quizá pueda resolver este problema, y eso incluye a Harper”, explica Wilson. “Eso le da una nueva oportunidad y una razón para luchar por quien ama, que es su hijo”.


El tercer miembro del triunvirato, Houseman, es “uno de los personajes más divertidos que he creado”, afirma John Bradley. Eso lo dice todo, dado que Bradley interpretó el papel del encantador Samwell Tarly en la emblemática serie de HBO Juego de Tronos.

Pero ese brillo esconde una complejidad. “Houseman no tiene amigos, así que está emocionalmente aislado”, explica Bradley. “También está aislado intelectualmente porque colabora con gente que no tiene tiempo para las cosas en las que él cree. Siempre está intentando comunicar sus pasiones, intereses y teorías, pero a nadie le interesan. Lo encontramos completamente solo en el mundo, buscando un punto de contacto, un espíritu afín, un oído que quiera escuchar lo que tiene que decir. Entabla una relación con Brian”, continúa Bradley. “Se convierten en un equipo porque tienen este entendimiento mutuo de lo que se siente al no ser escuchado; ahí es cuando lo vemos florecer de verdad. Todo lo que KC necesitaba era la persona adecuada que escuchara lo que tenía que decir, y entonces vuelve a ser él mismo. Toda su juventud, sus habilidades y destrezas, las cosas en las que es el mejor en el mundo estaban latentes esperando esa chispa que le permitiera marcar la diferencia. Ese catalizador es conocer a Brian”.


“Formamos un grupo variopinto”, explica Berry sobre el trío que se aventura al espacio para salvar tanto a la Tierra como a la Luna. “Todos somos una especie de antihéroes. No creo que ninguno de nosotros quiera estar allí, pero todos debemos hacerlo. Fowler está allí porque es una experta en navegación y debe guiar la misión y asegurarse de que lleguen a destino, mientras que Harper es el único que puede pilotear la nave. KC representa al hombre común en el vuelo de su vida. No es astronauta y no tiene nada que ver con la NASA, pero tiene una mente brillante que ha planteado la idea de que la Luna es una  megaestructura. Fowler y Harper consideran que lo necesitan porque, si de hecho es una megaestructura, entonces van a querer un megaestructurista con ellos al llegar allí. Es un grupo divertido. KC y John Bradley aportan mucho humor a la película”.


Charlie Plummer interpreta al hijo de Harper, Sonny, cuya relación con su padre es problemática. Como señala Wilson, “No importa por qué un padre está ausente de la vida de su hijo, al niño no le importa. Harper no estuvo cuando Sonny lo necesitaba. Harper lo decepciona constantemente porque está luchando contra sus propios demonios, y fracasando. Sonny tampoco es el chico más recto; se le ha pegado un poco de su padre y por eso se pelean. Lo único que Harper desea es que Sonny se convierta en un hombre mejor que él. A lo largo de la película Sonny hace progresos. Ambos tienen una misión en esta película”. “Sonny tiene todo este resentimiento contra su padre y su madre, pero también ¡los quiere mucho!, afirma Plummer. “Es esa cosa de amor/odio que a veces tienen los adolescentes”.


La relación central de Sonny es con Michelle (Kelly Yu), una estudiante que vive con Fowler y su hijo, Jimmy. Michelle y Sonny se conocen en la base aérea de Vandenberg. “En el camino hablamos de nosotros y pasamos por cosas sumamente desafiantes y nos involucramos emocionalmente”. señala Yu.


La ex esposa de Harper es Brenda López (Carolina Bartczak), y Sonny es su hijo. Su matrimonio no funcionó porque, según Bartczak, “Harper se vio superado por sus fracasos en la NASA, y ella se vio obligada a dejarlo para proteger a Sonny, ya que Harper sucumbió a la depresión y el alcoholismo. Finalmente, ella se casó con Tom López, interpretado por Michael Peña. Sonny nunca la perdonó por dejar a Harper. Ella tiene un hijo adolescente, que está angustiado, y una nueva familia con Tom, y está intentando lograr equilibrarlas dosfamilias”.


Para Peña, el papel de un hombre cariñoso, cabeza de familia (y exitoso propietario de un concesionario/franquicia de automóviles), fue un gran atractivo. “Desde el principio, decidí que iba a interpretar a Tom como alguien que ama en forma permanente, una de esas personalidades de la vieja escuela a la que no le importa parecer cursi. Pensé que era una manera hermosa y poética de hacerlo, con muchas agallas y en contra del status quo”. “También carga con este bagaje”, continúa Peña, “siente que nunca es lo suficientemente bueno y se preocupa por estar a la altura de su ex marido, el astronauta elegantemente guapo, Brian Harper”.


Ecos de un crimen: conferencia de prensa.


Se llevo a cabo el 17 de Enero, vía zoom, con la conducción de Juan Manuel Domínguez como moderador. Participaron de la conferencia el director Cristian Bernard, y del elenco: Julieta Cardinali, Carla Quevedo, y Diego Peretti.



  • Dijo Cristian Bernard:


“Cuando leí el guion pensé: esta película es hermosa, pero esto es un kilombo! porque gran parte de la película era con luz de velas porque hay un corte de luz, y hay lluvia permanente por la tormenta. El gran problema era filmarla en esa época del año que era invierno, y encima en medio de la pandemia. A pesar de todo eso que era técnicamente muy complejo ya que la lluvia se genera con camiones hidrantes, e incluso donde se rodó hubo que hacer un set arriba de la casa y cubrirla toda con una estructura para poder filmar de día las escenas que transcurrían de noche, y poner caños y cañerías por la lluvia, pero nada de eso arruinó el clima del rodaje, que entre nosotros fue hermoso! 


Era una película donde todos sabíamos que la cámara era muy importante, tan protagónica como los personajes, entonces todo lo que fue la puesta de cámara y la puesta de luces para que la cámara pudiera trasladarse de un lugar a otro y generar climas, significaba tiempo, y tanto Diego como Julieta y cómo Carla fueron pacientes, porque entre toma y toma había momentos, que sumados a todo el mecanismo que estaba alrededor de la casa y las ventanas con la lluvia cayendo todo el tiempo no fue fácil, y yo les estoy agradecido por la paciencia que tuvieron porque había que esperar a la cámara, y eso se vio en el resultado. 


Cómo director cinefilo que soy, ya que para mi el cine es tradición y a la vez reinvencion, hubo muchas películas y directores que pulularon en mi cabeza a la hora de pensar visualmente esta película, cómo Kubrick, Hitchcock, De Palma, hasta Carpenter, y otros que no tienen tanto que ver con este género pero que igual uno se nutre de ellos, y para esta película tenía todos los condimentos de la cinefilia para utilizarlos. 


El guion no es mío sino de Gabriel Korenfeld, y yo estaba trabajando con otra película desde hace 5 años cuando me acercaron el guion, y al leerlo me volví loco, porque tenía toda la cinefilia que amo y los géneros que amo. La persona que me dio el guion me sugirió a Diego para el personaje principal y me pareció espectacular, y a la vez era un gran desafío para todos porque si bien es un thriller psicológico tiene elementos del género de horror que es difícil para los actores. Cuando se sumaron Julieta, Carla y Cremonesi, sabía que tenía que tener cuidado de no arruinarlo yo, pero fue todo muy orgánico y natural, y fue hermoso todo el proceso. 


Soy un loco de los Soundtracks de películas, y sabía que esa parte era el 50 % de la película. En esta película la banda sonora es todo, la hizo Pablo Borghi que es un genio, para nosotros la inspiración fue el sonido de Bernard Herrmann, un músico especialista en sonido de Hitchcock, otro verdadero genio, y decidimos ir por ahí porque en la película no va la sutileza sonora. Todo el trabajo de la mezcla de sonido y la concepción sonora de algún modo representan un viaje a la cabeza de uno de los personajes. El sonido se nota en una sala de cine, y por eso es tan importante la experiencia cinematográfica ya que la película está pensada para eso, por los planos, por el diseño sonoro, y por haber grabado la música con instrumentos de cuerdas y con orquesta, algo que no suele hacerse en el cine argentino. 


Esta es una película hecha en equipo, que la reescríbimos en equipo, porque cada ensayo y cada análisis de texto que hacíamos para meternos con el guion, fueron para mejorar la película. Es una película muy intrincada y laberíntica, que fue rodada en condiciones adversas, y con un tiempo limitado. 

La película es un rompecabezas que tiene muchas capas y sutilezas escondidas que quizás no se notan al verla por primera vez.


Al principio hicimos mucha lectura del texto para entender la historia y el guion, hasta que debido a la pandemia pudimos ensayar de modo presencial, y arrancamos con la escena más compleja. Estábamos hartos de vernos a través de la pantalla del zoom y decidimos ir a la casa a reconocer la locación, ya que la casa es otro personaje en la película, y la búsqueda de ese lugar fue todo un desafío. 


Esta película para mi es el Cine Popular que amo ver, eso es lo que intentamos hacer: una película para el gran público, con amor y respeto, cómo aquellas películas que a algunos nos cambiaron la vida: “El exorcista”, “El padrino”, “El resplandor”, “Psicosis”, “Vestida para matar”, y tantas otras. En Argentina es muy difícil hacer buen cine popular! “



  • Dijo Diego Peretti:


“Cuando leí el guion me di cuenta que físicamente la película iba a ser exigente, pero todos los que estuvieron en la película hicieron que fuera igual de entretenida filmarla que el producto final que me parece excelente, y hace que el espectador no se pueda entretener con algo que no sea la historia que se esta contando. Es una historia de impacto psicológico, de suspenso, de enigma, y también la película va dando una serie de señales cinematográficas que me mantienen despierto porque trato de ver la muñeca del narrador, y en ese sentido creo que cumplimos con la misión! 


La psicología como herramienta me sirvió pero no a nivel técnico, ya que en ese caso es la actuación, lo que se cómo actor, y el estudio del guion que es bastante intrincado y hay que entenderlo para poder contarlo y que sea claro para quien lo ve. Narrar los laberintos de la mente es un logro importantísimo de la película, cómo en “Psicosis”, o en otras donde la historia se mete en los vericuetos de mentes enfermas y perversas, eso es muy difícil y aquí se logra con técnicas cinematográficas. De mi pasado cómo psiquiatra, no psicólogo, que es un poco peor, me ayudó el haber visto personas alteradas de los nervios en extremo, ver hasta donde puede llegar una mente que se transforma en irracional, el saber que esto es verosímil, que es real y ocurre, y que lo vi, todo eso me ayudó para tomar impulso y mandarme expresivamente, pero a nivel técnico no busqué en ningún libro alguna patología específica para interpretar a este personaje. 


Julian, mi personaje, es un escritor afamado que tiene una saga exitosa de novelas policiales con un personaje que se llama El Escorpión, y la presión que recibe Julian por el éxito que está teniendo y por tener que entregar un escrito por necesidades comerciales hace que tenga un colapso nervioso. Es un personaje introvertido como

todo escritor, y de tanta introversión comienza a perderse en su propio laberinto, y esto tiene que ver con ciertas cosas que se entera durante la narración, y con la presión laboral de tener que responder a tamaño éxito. Cuando se dan las condiciones de poder estar solo y tranquilo, lejos de inspirarse y de tranquilizarse se mete más en su propia trampa. 


Para mi trabajar en esta película de género es innovador, y me divierto cuando hay un buen guion del género que sea, en este caso implícaba mucho desgaste físico, pero lo que más me interesa es poder desgranar el guion y que no se escape nada del poder narrativo, de lo que queremos narrar. Al ver la película completa termina siendo divertido ver que ese buen guion se pudo plasmar en la pantalla manteniendo los parámetros de ese género, y agregando cierta cuestión de personalidad. Es una película que tiene personalidad, que tiene la muñeca de Cristian y la pluma de Korenfeld, y es una película de género pero singular y nuestra, del equipo que la hizo. 


Esta película es la imagen de un pequeño rompecabezas que a través de la historia tiene varios espacios de tiempo diferentes; el gran desafío era contar esto sin estar por delante del espectador que no está presente al filmar pieza por pieza, por eso había que imaginar el rompecabezas armado mientras lo estabas armando, y había que entender la historia completa. 


Este proyecto para mi fue como un viaje a lo desconocido!”



  • Dijo Julieta Cardinali:


“Cuando leí el guion sabía lo que me esperaba físicamente, porque no es lo mismo que cuando contas una historia con más diálogos y más cómoda, al leer este guion ya sabes que va a haber lluvia y que vas a tener frío, y es más incómodo filmar mojado que seco, y afuera que adentro, pero el set fue de un gran lujo para nosotros por cómo se filmó, por el clima que había, y por el equipo técnico que es el más sufrido porque están más horas y

bajo la lluvia durante mucho tiempo, por eso siento orgullo de estar en esta película! 


Me gusta cuando lees un guion y lo terminas sin levantarte ni para ir al baño, que fue lo que me paso con esta película, que al leerlo supe que quería ser parte de ella. Primero lo lei cómo espectadora, y luego lo leí para interpretarlo. 


Cuando me convocaron, Diego ya estaba como parte de la película, y para mi volver a trabajar con Diego era un motivo extra ya que tenía muchas ganas de volver a trabajar con el, y cómo a mi me encanta el cine de género, y había hecho una película de terror, disfrute mucho el rodaje, pero lo que más me atrapo fue la historia que fue protagonista de la decisión. 


Hablamos mucho durante el rodaje entre los actores y con Cristian, y se tomaron muchas decisiones en relación a lo que íbamos a contar en cada escena para no adelantarle al espectador nada sobre los personajes, y todo eso requería de mucha concentración.


La etapa previa al rodaje fue a puro hisopado, y tuvimos más ensayos por zoom que presenciales, pero me facilitó una parte porque con Diego ya nos conocíamos de antes. 


Para mi el proyecto fue un desafío, mucha concentración y juego.”



  • Dijo Carla Quevedo:


“Para mi fue todo: la producción. el elenco, Cristian como director cuyo trabajo me encanta, pero lo que termino por convencerme fue la historia que me gusto mucho. Para mi fue un desafío enorme porque nunca había hecho cine de género, ni un personaje en este tono, y aunque me daba temor un desafío es bienvenido, pero hubo además un trabajo a nivel humano más que actoral que fue interesante, porque filmamos en contexto de pandemia y había que confiar muchísimo en Cristian y en su cámara; para mi era antinatural por el tipo de trabajo que estoy acostumbrada a hacer, pero al ser un desafío enorme fue lo que más me atrapó del proyecto. 


Con Diego Cremonesi también nos conocíamos de antes, y eso nos sirvió bastante con la pandemia por medio que fue más difícil ensayar.


Para mi este proyecto fue innovación, desafío, y orgullo por la calidad final del producto.”








Empieza el baile - inicio de rodaje

 Es un largometraje escrito y dirigido por Marina Seresesky que tiene como protagonistas a Darío Grandinetti, Mercedes Morán, Jorge Marrale, y Pastora Vega, junto a un gran elenco de actrices y actores de todo el país.


Esta comedia dramática es una coproducción hispano-argentina entre las productoras audiovisuales Meridional Producciones (España), Oeste Films (Mendoza), Patagonik  y Habitacion 1520 (Buenos Aires), junto a  El Gato Verde Producciones y Áralan Films (España), Sur Films (Mendoza) y Reina de Pike (Rosario).


Sinopsis: Carlos y Margarita fueron la pareja de tango más famosa y reconocida de su época. Hoy, poco y nada queda de ese esplendor, de esa pasión que los llevó a compartir, escenarios, viajes y vida...


Carlos vive en Madrid, disfrutando de la segunda oportunidad que le ha dado la vida y Margarita vive en Buenos Aires inmersa en la pobreza y el olvido, pero con ese humor socarrón y canalla que siempre la ha caracterizado. Junto a su inseparable amigo Pichuquito, la pareja inicia un viaje desde la ciudad de Carlos Gardel hasta el pie de la cordillera de los Andes  en busca de respuestas, que los enfrentará a sus recuerdos, a sus miedos, pero sobre todo a sus verdaderos deseos.


El proyecto tiene el aval internacional de la Comunidad de Madrid y del Programa Ibermedia, sumados a  los  auspicios de Gobiernos de Mendoza, Ciudad de Buenos Aires, Gobierno de Santa Fe y los municipios de la Ciudad de Mendoza, Rosario y  Luján de Cuyo y está declarado de interés del INCAA.


El rodaje de “Empieza el baile” comenzará el próximo 7 de enero de 2022 en locaciones de Buenos Aires, Rosario, y Mendoza para terminar en Madrid la última semana de febrero.


La banda musical original estará a cargo de Escalandrum de Daniel Pipi Piazzolla y Nicolás Guerschberg.


“Empieza el baile” será el tercer largometraje escrito y dirigido por Marina Seresesky tras “La puerta abierta” y “Lo nunca visto” con los que obtuvo más de 30 premios en festivales internacionales además de varias nominaciones a los Premios Goya del cine español.


Matrix Resurrecciones

 

Estreno en Cine: 22 de Diciembre.


Por Cecilia Tedesco.


Es la cuarta película de la saga que arrancó con “Matrix” en 1999, siguió en 2003 con “Matrix Recargado” y concluyó ese mismo año con “Matrix Revoluciones”, a los cuales se sumo “Animatrix”, un compilado de 9 cortos animados relacionados con el film original. “Matrix” marcó un antes y un después redefiniendo el género de la ciencia ficción. 


La historia planteaba un mundo post apocalíptico dominado por las máquinas que mantenían a los seres humanos como esclavos, conectados a una red eléctrica a modo de baterías, con la mente insertada en un mundo virtual conocido como la ‘Matrix’,  imposible de diferenciar de la realidad hasta no ser liberado.


Al final de la tercera parte, Thomas Anderson / Neo pereció por salvar a la humanidad, y vio morir a Trinity en sus brazos tratando de ayudarlo a concretar la misión que puso fin a la guerra entre los humanos y las máquinas. 


En esta nueva entrega, Thomas Anderson es un exitoso diseñador de video juegos que trabaja para Deus Machina, la empresa creadora de la famosa trilogía “Matrix”. Cuando su jefe Smith le pide trabajar en una secuela, la vida cotidiana de Thomas se ve alterada confundiéndose con la historia y con los personajes del video juego, provocándole una crisis nerviosa similar a la que sufrió en el pasado y que lo llevo a intentar suicidarse, por lo cual ha mantenido sesiones de terapia con un analista que le ayuda a comprender el significado de sus sueños y a distinguirlos de la realidad.


La aparente normalidad de Tom tambalea al conocer a Tiffany, una mujer casada, madre de tres hijos, aficionada a las motos, que le recuerda a Trinity, la pareja de Neo, el protagonista de “Matrix” inspirado en si mismo. La vida de Thomas se termina de complicar al cruzarse con la hacker Bugs y con un peculiar y renovado Morpheus, quienes lo llevan a dudar acerca de su entorno y a preguntarse si es real o si vive dentro de una simulación virtual...


Para resolver el misterio, Tom deberá descubrir su verdadera identidad, confrontar sus miedos más profundos, y tomar las riendas de su vida sabiendo que esa elección es una ilusión y que marcará su destino para siempre. 


Aquí se presenta una nueva versión de la “Matrix”, más moderna, mas fuerte y más peligrosa, donde sus residentes están cómodos, seguros y más a gusto que nunca. En todo esta presente esa sensación de ‘Deja Vu’, y se intenta confundir al espectador acerca de que cuál es la realidad y cuál es la ficción. 


Un relato que trata acerca de dos realidades: una es la vida cotidiana, y la otra abarca lo que hay detrás. Habla también de la colaboración entre humanos y maquinas, y del amor como una fuerza poderosa.


Esta producción mantiene el nivel técnico y posee un relato complejo y profundo, al igual que las tres anteriores. El equipo creativo detrás de escena incluyo a varios colaboradores de la directora con quienes trabajo en “Sense8”, la serie de ciencia ficción creada por las hermanas Wachowski en 2015.


El film se proyecta en 2D, 4D, y Imax 2D, en versión original en inglés con subtítulos y doblada al castellano.


Elenco: Keanu Reeves (Thomas /Neo), Carrie-Ann Moss (Trinity / Tiffany), Yahya Abdul-Mateen II (Morpheus), Jessica Henwick (Bugs, el conejo blanco), Jonathan Groff (Smith), Neil Patrick Harris (The Analyst, el terapeuta de Thomas), Priyanka Chopra Jonas (Sati), Jada Pinkett Smith (Niobe), Lambert Wilson (Merv).


Dirección: Lana Wachowski.

Guion: Lana Wachowski & David Mitchell & Aleksander Hemon, basado en personajes creados por los Wachowskis. 

Producción: Grant Hill, James McTeigue y Lana Wachowski. 


Fotografía: Daniele Massaccesi y John Toll.

Diseño de Producción: Hugh Bateup y Peter Walpole.

Edición: Joseph Jett Sally.

Vestuario: Lindsay Pugh.

Efectos Visuales: Dan Glass.

Música: Johnny Klimek y Tom Tykwer.


Título Original: The Matrix Resurrections.

2021 - USA / UK / Australia.

Acción / Ciencia Ficcion - 148 minutos. 

Compañías Productoras: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures / Venus Castina Productions.

Distribución: Warner Bros. Pictures.


Trailer: 

https://youtu.be/haDWONcTfEQ












Petite Maman


Estreno en Cine: 16 de Diciembre.


Salas: Showcase Norte, Cinepolis Recoleta, Patio Bullrich, Multiplex Belgrano, Multiplex Cabildo, Cinema Paradiso, Cinema Devoto Shop, Cines del Centro Rosario.


Por Cecilia Tedesco. 


Nelly, una niña de 8 años, acaba de perder a su abuela materna. Sus padres deben vaciar la casa donde se crió su mamá, pero como está se ausenta unos días, Nelly se queda allí con su papá. 


Mientras recorre el bosque que rodea la propiedad, aquel lugar maravilloso donde su mamá jugaba de pequeña, Nelly se cruza con Marion, otra niña de su misma edad que vive en la zona, y la amistad surge inmediatamente entre ambas. Cada día comparten bellos momentos de juegos y de confidencias, mientras se va descubriendo el mágico misterio que las conecta y que las unirá para siempre de una manera única. 


Un bello y emotivo relato, que habla acerca de la niñez, de la inocencia, de los juegos propios de la infancia,  de la amistad, de la pérdida, de las relaciones familiares, y de los momentos que pueden afectar nuestra vida y el vínculo con los demás.


Una historia sencilla y bien narrada,  donde lo fantástico juega un rol importante. Se destacan las actuaciones de las dos niñas que interpretan a Nelly y a Marion. 


La película ha tenido un gran recorrido por los Festivales más prestigiosos del mundo como Berlinale, Toronto, San Sebastián, y también formó parte de la Competencia Internacional en el Festival Internacional de Cine de Mar Del Plata.


Elenco:Josephine Sanz, Gabrielle Sanz, Nina Meurisse, Stephane Varupenne, Margot Abascal.


Guion y Dirección: Céline Sciamma.

Fotografía: Claire Mathon.

Edición: Julien Lacheray.

Música: Jean-Baptiste de Laubier.


2021 - Francia.

Drama / Fantasia - 72 minutos.

Distribución: Diamond Films.


Trailer:

https://youtu.be/YHTo9TdSsgE


 

El cuento del Tío

 


Estreno en Cine: 9 de Diciembre. 

Gentileza: Showcase.


Por Cecilia Tedesco.


Todo transcurre durante la noche de Navidad, en la cual la familia se reúne para cenar tratando de superar el momento a pesar de las diferencias que existen entre ellos. 


Cuando el tío millonario de la familia muere accidentalmente ahí mismo en la casa de Mario, y a las 12 de la noche llega la flamante esposa del difunto, el resto de los parientes deciden aprovechar la oportunidad para obtener su herencia; y para conseguirlo esconden el cuerpo fingiendo que el tío ha sido secuestrado, y que deberán pagar un rescate. 


Aunque el plan parece infalible, no será tan sencillo llevarlo a cabo ya que todos quieren una parte del botín, y habrá más de un obstáculo en el camino.


Se trata de una comedia negra al mejor estilo “Esperando la carroza”, por los enredos y los disparates en que se ven envueltos los protagonistas. Un film con buenas actuaciones, y un giro inesperado al final.


La película participó en el Miami Film Festival, el Festival Sanfic 17 de Santiago de Chile, y el Festival Internacional de Puerto Madryn, donde obtuvo reconocimientos en cuatro categorías.


Elenco: Luis Ziembrowski, Alejandra Flechner, Mónica Villa, Martín Slipak, Silvia Pérez, Jorge D’Elía, Sandra Criolani, Jonatan Nugnes,Patricia Calisaya, Gonzalo Alvarez, Danny Veleizán, y los debut cinematográficos de Ailén Maciel yMaría De Cousandier.


Guion y Dirección: Nacho Guggiari. 
(Opera prima)
Dirección de Fotografía: Nicolás Richat.

Dirección de Arte: Augusto Latorraca. 

Vestuario: Macarena García.

Maquillaje: Dolores Gimenez.

Edición: Nicolás Goldbart / Daniel Truchi.

Música: María Compte.


Compañías Productoras: Gancho y Cooperativa Mental, con el apoyo del INCAA y el programa de Impulso Cultural de la Ciudad de Bs As. 

2021 - Argentina.

Comedia negra - 72 minutos.


www.elcuentodeltio.com



Nacho Guggiari dice sobre su ópera prima: 


“Quise hacer una película que ocupara ese espacio que está entre el mainstream y el cine de autor. El cuento del tíoes una comedia de humor negro con un guión clásico, un final sorpresivo, pero con cierta firma y estética de autor. 


Sabíamos que filmar esta película en tres semanas era casi imposible, entonces planificamos al detalle cada uno de los planos y transformamos una locación real prácticamente en un estudio,  acustizando el espacio y construyendo parrillas de luz cenital. 


Cuando uno no cuenta con grandes presupuestos para filmar, hay que aprovechar hasta el último centavo. Trabajar con actores consagrados y otros que se darán a conocer fue un placer porque porque hubo una energía que fue vital para este proyecto”.